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Aug 20, 2023

Die 100 besten koreanischen Popsongs aller Zeiten

Von Rolling Stone Die Geburt des modernen K-Pop wird oft auf das Jahr 1992 datiert, als Seo Taiji and Boys, ein tanzorientiertes Trio unter der Leitung eines Ex-Metalheads, ihren Song „I Know“ im südkoreanischen Sender MBC aufführte.

Von Rolling Stone

Die Geburt des modernen K-Pop wird oft auf das Jahr 1992 datiert, als Seo Taiji and Boys, ein tanzorientiertes Trio unter der Leitung eines Ex-Metalheads, ihren Song „I Know“ im südkoreanischen Sender MBC aufführte. Die ursprüngliche Mischung der Gruppe aus koreanischen Balladenmelodien mit New Jack Swing, Rap und Tanzmusik schockierte nicht nur die breite Öffentlichkeit, sondern ihr Tanz und ihre Ästhetik, die stark von den schwarzen amerikanischen Trends der Zeit inspiriert waren, appellierten auch an eine Generation junger, eifriger Menschen die zeitgenössische westliche Kultur anzunehmen.

So entstand eine milliardenschwere Industrie, die heute über Generationen und Kulturen hinweg weltweit verbreitet ist. Der enorme Erfolg von K-Pop beruht immer noch vor allem auf der Begeisterung von Teenagern und jungen Erwachsenen, leidenschaftlichen Anhängern, die bei ihren Idolen Zugehörigkeit und Inspiration suchen. Obwohl K-Pop mutig Genres aus der ganzen Welt miteinander verbindet (was zahlreiche Diskussionen über die Ethik der Aneignung auslöst), hat es dennoch sein ausgeprägt koreanisches Ethos beibehalten. Es ist eine Kultur, die das Kollektiv schätzt, auf Innovation achtet und ein hohes Gespür für Emotionen hat – was zu innovativen Songs und Darbietungen führt, die vor Gefühl sprühen und dennoch einem Massenpublikum zugänglich sind.

Was die Branche heute wirklich verbindet, ist ihr auf Perfektion ausgerichtetes Schulungssystem und der Schwerpunkt auf hochgradig konzeptionellem Multimedia-Storytelling. Diese Branche hat heute zwei der einflussreichsten und meistverkauften Künstler der Welt hervorgebracht, BTS und Blackpink, und ihre starken Labels (wie Hybe, SM und YG) haben sich bei der Schaffung neuer Stars als bemerkenswert konsequent erwiesen. Doch da in den letzten Jahren immer mehr Künstler mit nicht-koreanischer Staatsbürgerschaft und Abstammung zu „K-Pop“-Stars aufgestiegen sind, wird das Label von einigen Kritikern und Fans in Frage gestellt, die darin ein Instrument sehen, um Künstler in eine Schublade zu stecken, damit sie nicht auf breiterer Ebene anerkannt werden . Sogar BTS-Anführer RM sagte dem Rolling Stone in seiner Titelgeschichte vom Mai 2021, dass er die Gruppe außerhalb von K-Pop existiere: „Unser Genre ist nur BTS“, sagte er. „Diese Debatte [ob BTS K-Pop oder Pop ist] ist für die Musikindustrie sehr wichtig, aber für uns Mitglieder bedeutet sie nicht viel.“

Lange vor diesen Hallyu-Stars ebneten zahlreiche einheimische Künstler den Weg für die Popularität und den Eklektizismus von K-Pop. Unsere Liste der 100 größten Songs in der Geschichte der koreanischen Popmusik wurde von Rolling-Stone-Mitarbeiterin Michelle Hyun Kim geleitet und von einer Gruppe von Musikjournalisten und Kritikern aus Südkorea und den USA erstellt, die über koreanische Musik geschrieben haben jahrelang. Nach einer ersten Abstimmung und einer Reihe hitziger Debatten kamen wir zu einer Liste, die über die strenge Definition von K-Pop als Hit-Unternehmen hinausblickte, um die breitere Geschichte der koreanischen Popmusik zu erzählen.

Der früheste Eintrag auf der Liste stammt aus den 1920er Jahren, einer Zeit, in der Aufnahmen aufstrebende Künstler zeigten, die unter japanischer Besatzung lebten und koreanische Texte über Liedern aus Europa oder Japan sangen. Von dort aus beleuchtet die Liste Künstler des gesamten 20. Jahrhunderts, die die „Idole“ ihrer Zeit waren und Volksprotesthymnen, Balladen über Trauer und Veränderung sowie Trab schufen – eine Form koreanischer Popmusik, die von der traditionellen koreanischen Musik abstammt. Japanisches Enka sowie amerikanische und europäische Balladen.

Andernorts gibt es bahnbrechende Experimentalisten und Indie-Crossover-Künstler, deren frühe Übernahme von Funk, Pop, Soul und Rock dazu beitrug, den Mainstream mit diesen Klängen vertraut zu machen. Dann holt die Geschichte den eigentlichen K-Pop der Neunziger ein, während wir die größten und genialsten Hits feiern, die entweder musikalisch bahnbrechend waren oder einen Einfluss darauf hatten, wie K-Pop vermarktet und konsumiert wird.

Was folgt, ist nicht nur die Geschichte der koreanischen Popmusik und wie sie das K-Pop-Geschäft hervorbrachte, sondern auch, wie ein kleiner Halbinselstaat lernte, angesichts des Kolonialismus und des politischen Wandels Kunst zu machen, ausgewählt aus allen Ecken der Welt Welt und strebt weiterhin danach, neue Wege zu finden, um die reinsten und aufregendsten Aspekte der menschlichen Erfahrung in vierminütige Pakete voller Pop-Offenbarungen zu bündeln.

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Nach dem Gewinn des Gesangswettbewerbs „K-pop Star 2“ brachte AKMU (Akdong Musician) mit ihrem Debütalbum „Play“ aus dem Jahr 2014 eine Indie-Pop-Sensibilität in den koreanischen Mainstream. Das Album mit hellen Akustikgitarren-Stylings, süßen Hooks und skurrilem Songwriting – mit freundlicher Genehmigung von Mitautoren von Mitglied Chan-hyuk – wurde von der Single „200%“ angeführt, einem entzückenden Teenager-Liebeslied, das die Stärken des Geschwisterduos perfekt auf den Punkt bringt. Su-hyuns Gesang ist sanft und frisch, sie singt davon, „wie eine Erdbeere“ zu erröten, während Chan-hyuk sowohl albern als auch aufrichtig ist und einen lustigen Zungenbrecher aufsagt, bevor sie von „blühender Romantik“ singt. Mit seinem groovigen Beat aus jazzigen Bläsern war „200 %“ der sonnige Beginn der einzigartigen Pop-Interpretation des Acts. —MHK

Jahrzehnte bevor K-Pop-Idole das internationale Publikum umwarben, taten es zuerst die Kim Sisters – indem sie tanzten und ihre eigenen Instrumente spielten. Die Schwestern Suk-ja und Ae-ja und ihre Cousine Min-ja wurden von ihrer Mutter Lee Nan-young während des Koreakrieges zur Unterhaltung der US-Truppen gegründet und sangen auf Englisch, das sie phonetisch auswendig lernten. In den späten 1950er Jahren gab das Trio Konzerte in den USA und war regelmäßiger Gast in der Ed Sullivan Show. Ihre süßen Harmonien werden in ihrer sprudelnden Version des Rock'n'Roll-Klassikers „Charlie Brown“ der Coasters hervorgehoben, ein schönes Beispiel dafür, warum die Kim Sisters die ersten Koreaner waren, die den US-Markt eroberten. –JH.K.

VIXX starteten ihre Karriere im Jahr 2012 und machten sich schnell einen Namen als einzigartige konzeptionelle Boyband, wobei jede einzelne eine kleine theatralische Erzählung enthielt. Mit „Shangri-La“ vermischten sie zukünftigen Bass mit traditionellen koreanischen Instrumenten und Ästhetiken, einschließlich Fächertanz – und machten solche Gesten im K-Pop wieder cool. Da es alte kulturelle Prüfsteine ​​auf moderne Weise auffrischte, erlangte das Lied im Vorfeld der Olympischen Winterspiele 2018 in Pyeongchang große Aufmerksamkeit und wurde zum Symbol des Nationalstolzes. Heutzutage ist es nicht ungewöhnlich, dass Idole aus dem Traditionellen ausbrechen und trendige neue Songs machen. –TH

TOMORROW Seit seinem Debüt im Jahr 2019 liefert das Quintett funkelnde Dance-Pop- und Trap-Pop-Hits und beweist gleichzeitig, dass es auch mit großen, stimmungsvollen Hymnen brillieren kann. Ihre Single „0X1=Lovesong (I Know I Love You)“ aus dem Jahr 2021 ist ein idealer Emo-Rock-Hit: Taehyuns rauer Pop-Punk-Gesang auf dem Mitfieber „I!“ Wissen! Es ist! Real! Ich kann es fühlen!" Der Refrain am Ende des Pre-Chorus des Songs ist der Hauptbühne der Warped Tour würdig, während die kräftige Produktion groß genug ist, um eine Arena zu füllen. -MS

„Cherry Blossom Ending“ des K-Indie-Rock-Trios Busker Busker eroberte bei seiner Veröffentlichung im Jahr 2012 die koreanischen Musik-Charts und landet weiterhin jedes Frühjahr in den heimischen Charts. Die luftige, fröhliche Melodie, akzentuiert durch den beschwingt-süßen Gesang von Frontmann Jang Beom-june, ist im März oder April oft in den Straßen Koreas zu hören, was ihr den Spitznamen Koreas inoffizielles „Frühlingslied“ einbringt. Der kommerzielle Erfolg der Single inspirierte anschließend viele andere koreanische Künstler, ähnliche Lieder über Jahreszeiten zu produzieren. —RK

Zion.T begann Anfang der 2010er Jahre mit Underground-Rappern zusammenzuarbeiten und feierte 2014 mit „Yanghwa BRDG“ seinen größten Hit. Damit war er Koreas erster Indie-R&B-Sänger, der ein Star wurde. Über einem Bett aus verträumtem Rhodes-Klavier und anschwellenden Streichern singt er meisterhaft über seine Kindheit, als er seinem Taxifahrer-Vater bei der Arbeit zusah und die gleiche Verantwortung wie ein ernährender Erwachsener übernehmen musste. Diese ernsthaften Bekenntnisse zu kindlicher Frömmigkeit fanden großen Anklang in der koreanischen Öffentlichkeit (einige interpretierten es als eine Geschichte von Selbstmordgedanken), und Zion.T ebnete den Weg für eine ganze Szene emotionaler Stylisten. —MHK

Wenn man knabenhafte Romantik mit ihrer Fröhlichkeit und liebenswerten Unbeholfenheit verpacken könnte, dann wäre „Shine“, die Hitsingle der Boygroup Pentagon der dritten Generation, ein Produkt, das aus den Regalen fliegt. Diese Männer wechseln zwischen unkomplizierten Erklärungen und zögerndem Räuspern und gestehen sich mit größtem Schwung als verliebte Verlierer ein. Angetrieben von einem ausgefallenen Piano-Loop stieg der Song im Laufe des Jahres 2018 aufgrund seiner eingängigen „na na na“-Melodien, aufsteigenden R&B-Adlibs, ausgelassenen Jubelrufe und ausdruckslosen Raps in die koreanischen Musik-Charts auf. Während sich die meisten Boybands in den letzten Jahren für Drama und Frechheit entschieden haben, beweist „Shine“, dass Optimismus die Oberhand gewinnen kann. –TH

Der Legende nach entstand die südkoreanische Volksbewegung der Siebziger aus einem Teehaus namens YWCA Green Frog. Dort lernte der Songwriter Yang Hee Eun die Sängerin Kim Min Ki kennen, eine zufällige Begegnung, die zu einer legendären kreativen Partnerschaft führte. In diesem Zusammenhang wurde „Morning Dew“ geboren, ein Lied, das in den letzten fünf Jahrzehnten in donnernden Refrains bei Protesten in Korea nachhallte – von der Demokratiebewegung der Achtziger bis zum anhaltenden Kampf um die Zugänglichkeit des öffentlichen Verkehrssystems in Seoul. Das Lied, dessen Erwähnung eines Friedhofs mit revolutionärem Märtyrertum in Verbindung gebracht wird, wurde 1975 von der Park Chung-Hee-Diktatur verboten, bevor es in den Achtzigern zu einem festen Bestandteil des progressiven Liederbuchs wurde. –JG

Mit den zahlreichen Kontroversen, die er auslöste, hat sich Jay Park seinen Status als K-Pop-R&B-Schwarm verdient. Doch das ehemalige 2PM-Mitglied aus Seattle überzeugte das koreanische Publikum und ein weltweites Publikum mit seinen in den 2010er Jahren veröffentlichten Soloalben, die seinen sexy, aber überraschend süßen koreanisch-amerikanischen „Asian Baby Boy“-Charme einfingen. Unter der Leitung des K-Hip-Hop-Produzenten Cha Cha Malone unterstreicht „All I Wanna Do“ die Anziehungskraft von Park mit einer Hookline, die den Hörer dazu auffordert, einfach loszulegen, ausgeglichen durch die essentielle weibliche Energie des R&B-Stars Hoody. Die von DJ Mustard verdankte Single ist immer noch einer der bekanntesten Hits von Park und trug dazu bei, den eisigen R'n'Bass-Sound in Korea populär zu machen. —CL

Mit ihrem Durchbruchshit „Me Gustas Tu“ ließen GFriend das Herz des koreanischen Publikums höher schlagen. Der Synth-Pop-Ohrwurm explodiert mit E-Gitarrenriffs, lebendigen Streichern und einem vom New Jack Swing inspirierten Beat, während die Stimmen der sechs Mitglieder ihre große Liebe mit Leichtigkeit und Intensität gestehen. Der Erfolg des Songs festigte ihre energiegeladene Marke „Power Innocent“. Ihr widerstandsfähiger Geist zeigte sich in einem viralen Moment im Jahr 2015: Bei der Aufführung von „Me Gustas Tu“ im Regen standen die Mitglieder von GFriend immer wieder auf, nachdem sie wiederholt auf der Bühne ausgerutscht waren. Es ist ein Beweis für die Hartnäckigkeit, die sie im Laufe ihrer Karriere mit erfrischend süßen Hits an den Tag gelegt haben. –TH

Han Myung-sooks Megahit „The Boy in the Yellow Shirt“ aus dem Jahr 1961 war im Stil amerikanischer Swing- und Country-Musik gehalten und faszinierte die Nation, weil er sich so sehr von den beliebten melancholischen Trabliedern der Zeit unterschied. Die erfrischend schwungvolle Melodie ließ gelbe Hemden aus den Regalen fliegen und inspirierte einen Blockbuster-Film mit einem ähnlichen Namen. Seine Popularität verbreitete sich sogar nach Südostasien und Japan, wohin Han reiste, um als Koreas erster Hallyu-Star aufzutreten. In den sechziger und siebziger Jahren wurde es von ausländischen Künstlern gecovert, darunter von der berühmten französischen Sängerin Yvette Giraud und der japanischen Ikone Michiko Hamamura, was es zu einem dauerhaften internationalen Crossover-Hit machte. —RK

Im Jahr 2020 war Aespa die erste K-Pop-Gruppe mit eigenen KI-Avataren – das heißt, das Quartett ist eigentlich ein Oktett, dessen Besetzung zur Hälfte aus digitalen „Ae“-Künstlern besteht. All dieser Ehrgeiz findet in „Next Level“ seinen Höhepunkt, einem süchtig machenden Science-Fiction-Pop-Hit, der beispielhaft für eine Branche ist, die immer danach strebt, ihre Leistung durch transmediales Storytelling zu steigern. Als Remake einer B-Seite des Soundtracks „Fast & Furious: Hobbs & Shaw“ aus dem Jahr 2019 bildet der wackelige Bass des Titels die Kulisse für Aespas stahläugige Raps über die Konfrontation mit einem Bösewicht namens Black Mamba und die Reise in ein imaginäres Land namens Kwangya. Es gab den Ton für die einzelne Gruppe und eine Musikindustrie an, die in die Zukunft blickte. -MS

Als 1TYM 1998 ihre selbstbetitelte Debütsingle veröffentlichte, ließ sich die vierköpfige Rap-Gruppe von Dr. Dres raffinierter Westküstenproduktion inspirieren – wahrscheinlich ein Nebenprodukt der Kindheit des Bandleaders, Produzenten und Texters Teddy Park in einem Vorort von Los Angeles. Diese Ideen erreichten 2003 mit „Hot“ ihren kreativen Höhepunkt, einem prahlerischen Party-Starter mit Synthesizern, die Eminems Schelmen kanalisieren. Ungestört und selbstsicher übernimmt der Refrain den stotternden Rhythmus der Platten-Scratch-Imitationen eines Beatboxers und wechselt zwischen koreanischen und englischen Interpretationen des Titels. In dieser Destillation der Sprache in reinen Rhythmus und Textur wird „Hot“ zum seltenen Beispiel für den „Hook-Song“ eines Rappers. Es ist ein unnachahmlicher Ohrwurm. –JMK

Bevor Mamamoo 2014 debütierte, schien die Idee einer K-Pop-Girlgroup, die sich aus reifen Klängen wie Swing, Roots-R&B und Soul zusammensetzt, ungewöhnlich. Mit „Décalcomanie“ haben die vier Mitglieder diese Erwartungen verschoben. Der riesige Refrain des Songs zeichnet sich durch massive Gesangsharmonien aus, die Perfektion in jazzige Percussion übergehen. Es ist ein bahnbrechender und vorausschauender Track, der mit der Frechheit einer Burlesque-Show einschlägt, komplett mit einem Rap-Ausflug von Gruppenmitglied Moonbyul. Wheein singt im zweiten Vers: „Die Intuition einer Frau ist in der Tat schnell.“ -MS

Nachdem Taemin bereits als Wunderkind der zukunftsorientierten Boygroup SHINee Eindruck gemacht hatte, öffnete er mit seiner Solo-Single „Move“ aus dem Jahr 2017 Türen für den androgynen Ausdruck im K-Pop. Der pulsierende Track kombiniert New-Wave-Synthesizer aus den Achtzigern mit sinnlichen R&B-Melodien und fängt die sanft wechselnde Dynamik zwischen Liebenden ein. „Deine eleganten Gesten/dein subtiler Blick“, flüstert er und erzeugt so ein Gefühl rätselhafter Verführung. Diese Phrasen wurden vom Choreografen Koharu Sugawara zu ebenso fließenden Bewegungen gesetzt; Taemin sagte, seine Absicht sei es, „sowohl weibliche als auch männliche Bewegungen miteinander zu vermischen“. Obwohl das Lied kein kommerzieller Hit war, sorgte seine geschlechtslose Choreografie bei Idolen und Tänzern für Aufsehen und bleibt aufgrund seiner alternativen Darstellung von Sexualität eine Ikone. —MHK

Entstanden aus der Underground-Rockszene, die sich in den späten Neunzigern im Seouler Stadtteil Hongdae entwickelte, erlangte die Rockband Cherry Filter mit dem mutigen Pop-Punk ihres zweiten Albums „Made in Korea?“ aus dem Jahr 2002 Berühmtheit. Frontfrau Cho Youjeen zeichnete den Act mit ihrem kratzigen Knurren aus, das in „Sweet Little Kitty“, einem heißen Song, der Punk-Riffs mit aufsteigenden Pop-Melodien verbindet, voll zur Geltung kommt. Mit ihren nachfolgenden Alben, die in den 2000er Jahren veröffentlicht wurden, unternahm die Band Streifzüge in den Dschungel („Another Blood of Witch“), in den Techno („Come to Me“) und in den Rap-Rock („Hawaiian Blues“) und bewies sich damit Seien Sie eine furchtlose Gruppe, die mit der Zeit gehen kann. –JG

Der beste Beweis dafür, dass Stray Kids einer der Weltmarktführer im K-Pop der vierten Generation sind? „God's Menu“, die perfekte Version ihres lauten, explosiven Trap-Pops. Das Lied beginnt mit einer knallharten Strophe von Changbin, der neben Bang Chan und Han die Schreib- und Produktions-Untergruppe 3RACHA der Boygroup bildet. Von da an wird die elektrische Tapferkeit der Band durch den besten Bariton der Branche, Felix, verstärkt, der „Cookin' like a chef/I'm a five-star Michelin“ mit der gleichen Wucht wie ein Gothic-Punk-Crooner der Achtziger singt . Mit „God's Menu“ greifen Stray Kids das Bad-Boy-Konzept auf und setzen es in Brand. -MS

In der Geschichte Südkoreas war 1988 ein bahnbrechendes Jahr: Die Demokratisierungsbewegung der Achtzigerjahre gipfelte im Ende der autoritären Herrschaft und das Land war zum ersten Mal Gastgeber der Olympischen Spiele. Charakteristisch für die Überschwänglichkeit dieser Zeit ist Shin Hae-chuls elektrisierender Auftritt von „To You“ mit seiner Band Muhangwedo, der die diesjährige Ausgabe des MBC College Music Festival gewann, einem langjährigen Gesangswettbewerb, der vielen K-Pop-Karrieren den Startschuss gab. Der Song hat alles: ein grandioses Synth-Intro, ein leidenschaftliches Gitarrensolo und pure jugendliche Energie, was Shin den Titel „Demon King“ einbrachte. Dies war der Startschuss für eine weitreichende Karriere, die sich mit Space Rock, Techno und Filmmusik beschäftigte und ihn zu einem experimentellen Pionier der koreanischen Popmusik machte. –JG

In Interviews sagen die meisten koreanischen Hip-Hop-Künstler der ersten Generation, dass sie durch Sendungen des US Armed Forces Network Korea von dem Genre erfahren haben. R&B-Star Yoonmirae verkörpert diese Geschichte in ihrem familiären Hintergrund – sie wurde als Tochter einer koreanischen Mutter und eines schwarzen Vaters geboren, der in der USAF diente und Musik für AFN Korea drehte – und ihrer Musikkarriere. In den späten Neunzigern trug sie mit der Gruppe Uptown und dann mit ihrem romantischen und kreativen Partner Tiger JK durch ihr Trio MFBTY dazu bei, Hip-Hop im K-Pop bekannt zu machen. „Black Happiness“ ist eine erhebende Hymne an ihre gemischtrassige Herkunft und zeigt sowohl ihren Rap als auch ihren honigsüßen Gesang. –JG

Mädchen können fluchen, Whisky trinken und sich kleiden, wie sie wollen, erklärte (G)I-DLE mit „Tomboy“, dem wilden Pop-Punk-Hit, der den Status des Quintetts als Mädchengruppe festigte, die sich über Konventionen lustig macht. Geschrieben von Anführerin Soyeon, einem der wenigen weiblichen Idole, die ihre eigene Musik schreibt und produziert, dröhnt der Track mit Alternative-Rock-Gitarrenriffs und stampfendem Schlagzeug. Währenddessen küssen sich die Mitglieder frech an ihre Ex-Freunde und lehnen es ab, eine „blonde Barbie-Puppe“ zu sein, untermalt durch Piepton-Zensur-Soundeffekte. Dass ein Lied mit der Bridge „Weder Mann noch Frau“ im sexuell konservativen Korea auf Platz eins landen könnte, ist an und für sich legendär. —MHK

Keine Gruppe veranschaulichte die kreative Unruhe des koreanischen Undergrounds der 1990er-Jahre besser als die Pippi Band. Das aus der Rockband H2O hervorgegangene und aus den Clubs von Hongdae hervorgegangene Trio war äußerst schwer zu fassen. Ihre denkwürdigste Hymne „Mr. „Simpatico“ ist ein grooviger New-Wave-Song mit Handklatschen, Schulhof-Verspottungen, surrenden Synthesizern und Lee Yoon-jungs charakteristischem kindlichem Gesang. Es ist karnevalesk und schamlos frech, lässt aber dennoch Platz für eine klebrige Anhängsel aus unsinnigen Worten. Ihre Vielseitigkeit bewies die Band mit dem Soundtrack zu Jang Sun-woos Indie-Film-Meisterwerk „Timeless Bottomless Bad Movie“ aus dem Jahr 1997, bevor die Mitglieder durch ihre Solokarrieren Pionierarbeit in der Art-Pop- und Tanzmusikszene des Landes leisteten. Die Pippi Band war zwar nur von kurzer Dauer, aber ihre Exzentrizität und ihr Ehrgeiz machten sie einzigartig. –JMK

Als erste Girlgroup von HYBE im Jahr 2022 ist LE SSERAFIM ein Anagramm für „Ich bin furchtlos“. Nach ihrem Debüt-Hit „Fearless“ festigten sie ihre Stellung in der Branche mit ihrer Nachfolgesingle „Antifragile“, einem Reggaetón-Bop, der von der honduranischen Popsängerin Isabella Lovestory mitgeschrieben wurde und in dem Mitglied Hong Eunchae einen gemeinen Rosalía-Eindruck hinterlässt. Der Song ist ein Paradebeispiel dafür, wie sich die maximalistische Ästhetik des K-Pop ständig an experimentellen Klängen aus aller Welt orientiert. Er war einer der ersten, der den aktuellen Perreo-Trend des K-Pop etablierte. -MS

„Baby … du bist … genau richtig!“ Mark von GOT7 rappt und startet damit den größten Hit seiner Gruppe – einen Kaugummi-EDM-Knaller mit einer kraftvollen These und einer Prise zusätzlicher Schärfe aus den Versen von BamBam und Jackson. Der Autor des Liedes, JYP Entertainment-Gründer JY Park, wusste, wie er die Fähigkeiten der Gruppe am besten nutzen konnte – es ist kein Wunder, dass einige ihrer Mitglieder später selbst Texte komponierten und beisteuerten. „Just Right“ besteht aus luftigen Gitarrenriffs, mitreißenden „Ooo-hoos“ und Rap-Breakdowns, die zusammen beweisen, wie sehr sie dich lieben, Mädchen. -MS

Mitte der 2000er Jahre erlangte Cyworld, eine frühe Internet-Social-Media-Plattform ähnlich wie MySpace, in Korea große Popularität. Die Hintergrundmusik für viele Homepages lieferte Clazziquai, eine Indie-Rockband, die mit ihrem Debütalbum Instant Pig den Bossa-Nova-Kosmopolitismus von Shibuya nach Seoul brachte. Durch die Kombination des Futurismus elektronischer Tanzmusik mit bodenständigen akustischen Stilen wurde die Gruppe zum Fackelträger von K-shibuya-kei, der koreanischen Interpretation von Shibuya-keis tanzbeeinflusstem Alles-geht-Pop. Während Tracks wie „My Life (Boom Remix)“ freche Dschungel-Breakbeats mit Lounge-Gesang kombinierten, war es die House-beeinflusste Coolness von „Sweety“, die das Genre dominierte. –JG

Nachdem sie sich in einer Kirche im Los Angeles County kennengelernt hatten, begannen Solids Mitglieder, Songs für die taiwanesisch-amerikanische Boyband LA Boyz zu schreiben, bevor sie 1993 ihre eigene Gruppe gründeten und nach Korea zogen. Nach einer Partnerschaft mit der Balladen-Songwriterin Kim Hyeong-seok wurden sie berühmt. Einführung Koreas in zeitgenössischen R&B. Auf ihrer bekanntesten Single „Holding on to the End of the Night“ zitieren sie Boyz II Men und verbinden koreanische Melancholie mit ihren ausgeprägten amerikanischen Akzenten, die die Emotionen nur noch stärker wirken lassen. Diese Sehnsucht erwies sich als unbestreitbar und machte die Gruppe zu den ersten koreanischen Amerikanern, die in den koreanischen Popmarkt eindrangen. –JMK

„Up & Down“ ist ein Song, der auf einer Doppeldeutigkeit basiert und durch die Art und Weise, wie EXID scheinbar in den Witz verwickelt ist, noch urkomischer wird. Mit dieser Hitsingle, in der es um die Höhen und Tiefen einer Beziehung geht, begleitet von einem sehr anzüglichen Tanz, bei dem sie ihr Becken hin und her neigen, gelang der Girlgroup der Durchbruch im Mainstream. Daraus entstand eine berüchtigte Fancam (individuelles Video) von Mitglied Hani, die über 30 Millionen Aufrufe erzielte – ein Beweis dafür, dass geile Männer den kommerziellen Erfolg von K-Pop-Girlgroups bestimmen können. Aber das Lied ist für sich genommen immer noch ein Klassiker: Über Shinsadong Tigers lautstarker, bläserzentrierter Produktion sind die Mädchen süß und verführerisch, während Rapperin Elly mit ihrer packenden Darbietung für einen frechen Kontrast sorgt. —CL

Seit 2015 haben diese „Beast-Idols“ – oder unglaublich fitte und sexy Künstler – eine sträflich unterschätzte Diskografie mit rauen Dance-Pop-Hymnen aufgebaut, die nahtlos Hip-Hop integrieren. Bei „Dramarama“, dem Hit, der Monsta Mit einer pochenden Basslinie, funkigen Rhythmen und sengenden Gitarren nimmt die Gruppe die Zuhörer mit auf eine wilde Fahrt, die durch die charakteristischen, schwungvollen Raps von IM und Jooheon abgerundet wird. –JH.K.

Nachdem sie einige der frühesten K-Pop-Songs mit lateinamerikanischen Beats aufgenommen hatte, wurde Baek Z Young zur „Königin des Original-Soundtracks“ oder OST, der zentralen Musik, die koreanische Dramen untermalt. Einer ihrer beliebtesten Songs, „That Woman“ – aus dem K-Drama „Secret Garden“ aus dem Jahr 2010 – ist eine perfekte Ballade. Darin schlüpft Baek Z Young in die Rolle einer Frau, die einfach nur darum bittet, geliebt zu werden – ihre Stimme steigt und sinkt, während ihre sehnsüchtigen Gefühle ihrem Beispiel folgen. Seitdem ist ihre Karriere für K-Pop-Idole zu einer Blaupause geworden, um in die OST-Form überzugehen und ihre Gesangskarriere über ihre Gruppentage hinaus fortzusetzen. —CL

Als iKon 2015 mit ihrem einzigartigen, ausgelassenen Hip-Hop-Stil auf die Bühne kamen, bewiesen sie mit „Love Scenario“, dass sie Meister der Pop-Trennungshymne sind. Der Ohrwurm der YG-Boygroup stand sechs Wochen in Folge an der Spitze der koreanischen Charts und war damit bis zu diesem Zeitpunkt der am längsten laufende Nummer-eins-Song in Korea. Das vom Bandleader BI geschriebene und produzierte Lied vermittelt auf eindrucksvolle Weise sowohl Sehnsucht als auch Dankbarkeit durch die einfache Hookline: „We were in love/And that was enough.“ Zusammen mit einer stabilen Kuhglocke waren die kreisförmigen Melodien so einfach, dass Grundschüler mitsingen konnten (so ansteckend, dass das Lied in einigen Klassenzimmern verboten wurde), während die Rapper Bobby und BI mit ihren ergreifenden Versen für mehr Komplexität sorgten. —MHK

Als Teil der Welle koreanischer Techno- und Eurodance-inspirierter Acts in den 1990er-Jahren wurden Turbo dank ihrer Hits, die von purem Wahnsinn und Spaß geprägt waren, zu Bestseller-Stars. Ursprünglich ein Duo aus Kim Jong-kook und Kim Jung-nam (die später gegen den koreanisch-amerikanischen Künstler Mikey getauscht wurde), brachte der Act schnelles Rap, frenetische Hip-Hop-Moves und eine Prise Romantik in seine futuristischen Bühnenauftritte ein . „Black Cat Nero“ aus dem Jahr 1995, ein Remake eines klassischen italienischen Kinderliedes, war zwar nicht ihre Single mit den höchsten Chart-Charts, erfreut sich aber immer noch großer Beliebtheit wegen seiner flatternden Katzenohr-Choreografie, dem hämmernden Glockenklang und der einfachen Melodie. Schließlich ist K-Pop ein Genre, das Neues liebt. —MHK

Epik High etablierten sich in den frühen 1970er Jahren im koreanischen Hip-Hop-Underground, wobei ihre lyrisch dichten Songs als Hindernis für die Popularität des Mainstreams galten. Sechs Jahre nach Beginn ihrer Karriere veröffentlichte das Trio den Bestseller „Remapping the Human Soul“, ein 27-Track-Album, das sich mit philosophischen und gesellschaftlichen Themen befasste, aber durch seine Lead-Singles, die EDM, Pop und Hip-Hop perfekt vermischten, Auftrieb erhielt. Bei einem dieser Hits, „Love Love Love“, führt Epik High den Hörer durch alle Phasen der Liebe, von der glückseligen Verliebtheit bis zur schmerzhaften Trennung. Es fängt die Chemie der MCs Tablo und Mithra Jin ein, während DJ Tukutz eine Platte so auflegt, als wäre sie 1975, ein ewiger Knaller. –JH.K.

Love and Peace brachten 1978 mit ihrem Debütalbum „It's Been a Long Time“ den Funk nach Korea, das als eines der besten Alben gilt, die das Land je herausgebracht hat. Der von der Folk-Rock-Legende Lee Jang-hee geschriebene Titelsong verbindet nahtlos koreanische Texte mit einem Titel, der lustig und funkig genug ist, um neben KC und der Sunshine Band oder Hot Chocolate auf einer Rollschuhbahn der 70er Jahre Runden zu drehen. Das Ergebnis war ein sofortiger Klassiker, der das koreanische Publikum überraschte, zu einem der größten Hits seiner Zeit wurde und der Gruppe zahlreiche Auszeichnungen einbrachte. Love and Peace, die derzeit am längsten bestehende Band des Landes, hat dazu beigetragen, der modernen koreanischen Popmusik die Türen zu öffnen. —RK

Bei ihrem Mainstream-Durchbruch „Very Nice“ im Jahr 2016 nutzen SEVENTEEN maximalistische Karnevals-Soundeffekte – zirkusartige Hörner, lautstarker Jubelruf der Menge und sogar zufällige Schlürfgeräusche –, um den Rausch junger Liebe auszudrücken. Mit Texten, die ein Date-Szenario mit musiktheaterähnlicher Dramatik veranschaulichen, festigte das Lied die 13-köpfige Truppe als Anführer des süßen, sprudelnden Boygroup-Konzepts sowie als Performance-Meister, die ihren Komplex durchziehen konnten, Michael Jackson- inspirierte Choreographie. Die hochoktanige Hymne bewies auch die Hitmacherfähigkeiten von Mitglied Woozi und Produzent und Songwriter Bumzu, die den Großteil der Diskographie von SEVENTEEN aufgebaut haben, die sie zu den heutigen weltweiten Bestsellern gemacht hat. —MHK

Wann ist ein Schluchzer nach der Trennung auch ein Grund, auf die Tanzfläche zu gehen? Und zwar in Form von Sistars „Alone“, dem Nummer-eins-Hit, der die Girlgroup etablierte, nachdem sie 2011 mit ihrem Debüt für Furore sorgte. Der Song wurde von Brave Brothers (dem Songwriter und Produzenten, der auch Hits für After School, 4Minute und andere produzierte) geschrieben und ist eine verführerische Mischung aus House und R&B der frühen Neunziger mit einem neonhellen Glanz. Während die Mitglieder aufzählen, wie sie mit ihren Gefühlen umgehen wollen, kommt es zur Katharsis in der eisernen Entschlossenheit, die ihre exquisiten Gesangsdarbietungen durchdringt. —MJ

Mit ihrem genreübergreifenden Sound und ihrem unbestreitbaren Charisma gehörten BIGBANG zu den ersten Hip-Hop-Idolen, die den K-Pop-Mainstream durchbrachen und in US-Arenen auftraten. Ihr Trap-EDM-Hit „Bang Bang Bang“, die meistverkaufte und am häufigsten gestreamte Single in Südkorea im Jahr 2015, hatte sofort nach ihrer Veröffentlichung große Wirkung und wurde auch sieben Jahre später noch von neueren Gruppen gecovert. Es ist ein sofortiger Stimmungsaufheller; Erleben Sie einfach die Energie, die die Mitglieder Daesung und Taeyang während ihres legendären Militärdienstauftritts 2018 ausstrahlten. Noch heute gilt die Gruppe als Branchentitan, dessen einzelne Mitglieder mit Solomaterial für Aufsehen sorgen können. —KK

Als eine der führenden Girlgroups der späten 1990er und frühen 2000er Jahre trug Fin.KL dazu bei, den Grundstein für eine spätere Multimilliarden-Dollar-Industrie zu legen. Nach seinem Debüt mit der langsamen R&B-Ballade „Blue Rain“ schaffte Fin.KL mit „To My Boyfriend“, einer Single mit einer sommerlichen, fröhlichen Melodie, eine komplette Wende. Obwohl die Mitglieder den Text anfangs für lächerlich hielten – die Eröffnungszeile lautet „Schau mich an und sag, ich bin hübsch“ –, war es genau die Art von lustigem Wohlfühl-Liebeslied, das das heimische Publikum von Idolen erwartete die Zeit. Der Erfolg der sprudelnden Melodie hatte zusammen mit dem niedlichen Image der Mitglieder im Musikvideo großen Einfluss auf den Stil und die visuelle Ästhetik späterer K-Pop-Girlgroups. —RK

Als Pioniere ihrer selbst geprägten koreanischen Punk-Variante namens „Chosun Punk“ inspirierten Crying Nut Generationen zukünftiger Bands mit ihrem Debütalbum „Speed ​​Up Losers“ aus dem Jahr 1998, das sich in diesem Jahr mehr als 100.000 Mal verkaufte – damals eine unvorstellbare Leistung für eine Underground-Gruppe . Der Titelsong baut sich mit klirrenden Akkorden und ausgelassenen Trommeln auf, bevor er in eine ermahnende Hymne über das Reiten von Pferden übergeht. Solche unsinnigen Texte wurden zu ihrem Markenzeichen in Hits wie „Luxembourg“ aus dem Jahr 2006 und „Pigeon“ aus dem Jahr 2009 und bewiesen, dass sich Absurdität und Streiterei im koreanischen Mainstream kreuzen können. –JG

Auf dem Cover von Park Mi Kyungs zweitem Album prangt in Großbuchstaben der Satz „JUNGLE NEW STYLE“. Die Sängerin untermauerte diese kühne Behauptung, indem sie die Hit-Single „Eve's Warning“ der LP mit Naturaufnahmen und einem rasanten Breakbeat eröffnete. Auch wenn die Tanzhymne (erstellt von Chun Sung-il von der frühen Boyband NOISE und Produzentin Kim Woo-jin) leicht kaugummiartig ist, wird sie von einer unruhigen Traurigkeit unterstrichen: Park beklagt ihren betrügerischen Partner, fleht jedoch um seine Liebe, bevor sie in Wahnvorstellungen verfällt. Während sie ihren Gesang mit Anstand unterstreicht, begleitet von den tölpelhaften Raps von Clons Kang Won-rae, wird deutlich, dass „Eve's Warning“ die Tanzfläche als Ort des musikalischen und emotionalen Flusses versteht. –JMK

Während der Westen um die Jahrhundertwende von Boybands wie 'NSync und den Backstreet Boys besessen war, etablierten sich God (Groove Over Dose) als eine der größten Teen-Pop-Sensationen in Korea. „To Mother“, eine gefühlvolle R&B-Ballade, hat eine progressive Erzählung: Die Boyband singt aus der Perspektive eines Kindes, das seine verwitwete Mutter bewundert und sie gegen gesellschaftliche Bosheit verteidigt. (In Südkorea, wie in vielen anderen Teilen der Welt, werden unverheiratete Mütter und Witwen diskriminiert.) Die minimalistische Produktion aus Handklatschen, Synthesizern, Trommeln und einem Beckenschlag lenkt die Aufmerksamkeit auf die entspannten Rap-Verse, sirupartigen Harmonien und den Sänger der Gruppe Taewoos gefühlvolles Vibrato. -MS

Die Trot-Legende Lee Mija hat im Laufe der Jahrzehnte mehrere Hits gelandet, doch ihr Durchbruch im Jahr 1964, „Camellia Girl“, bleibt ihr bekanntestes Lied. Als Thema eines gleichnamigen Films stand der traurige Titel 35 aufeinanderfolgende Wochen lang an der Spitze der koreanischen Musik-Charts und verkaufte über 100.000 Platten – eine damals beispiellose Leistung. Seit Han Myung-sooks „The Boy in the Yellow Shirt“ den Koreanern einen Vorgeschmack auf amerikanisierten Pop gab, begann Trot den Halt zu verlieren, doch „Camellia Girl“ belebte das Genre im Alleingang wieder. Sein kommerzieller Erfolg war ein entscheidender Indikator dafür, dass der heimische koreanische Musikmarkt florieren könnte. —RK

Zwischen 2010 und 2016 hat Orange Caramel, ein Ableger der Girlgroup After School unter der Marke „Candy Culture“, den Kitsch im K-Pop auf ein höheres Niveau gebracht. Ihre beste skurrile Tanznummer war „Catallena“, eine energiegeladene Hymne über eine bezaubernde Frau, mit einem Meme-fähigen Musikvideo, das das Trio zeigt, wie Meerjungfrauen Sushi werden. Der festliche Disco-meets-hi-NRG-Song ist ein Wirbelwind aus Klängen: Ein Punjabi-Folk-Sample trifft auf Sirenen-Synthesizer, funkelnde Glockenspiele, ausgelassene Streicher und Jazz-Beats. Ihre komödiantischen Ausrufe inmitten der koketten und bi-neugierigen Verse sind das Sahnehäubchen auf dieser herrlich ausgelassenen Single und sorgen für ein perfektes Pop-Bonbon. –TH

Nach ihrer ausgelassenen Debütsingle „Fire Truck“ aus dem Jahr 2016 und dem ausgesprochen avantgardistischen Pop „Limitless“ aus dem Jahr 2017 fanden NCT 127 mit „Cherry Bomb“ ihren musikalischen Höhepunkt. Die stets experimentierfreudige Gruppe hat sich im Laufe ihrer Karriere bei der Auseinandersetzung mit Noise-Musik auf die Fähigkeit verlassen, Klänge zu mischen und zu vermischen, die eigentlich nicht funktionieren sollten, es aber irgendwie schaffen. Hier vermischt sich Kinderreim-Kitsch mit verzerrtem Bassgeheul, während eine Parade elektronischer Effekte mit überdigitalisierten Raps und Sprechchören kollidiert. Dabei liefert die Gruppe auch verführerische, jenseitige R&B-Balladen ab. Wenn es darum geht, K-Pop in seiner ehrgeizigsten und explorativsten Form darzustellen, ist „Cherry Bomb“ ein Meisterwerk. –TH

Der Young Turks Club wurde von Lee Juno von Seo Taiji and Boys gegründet und war eine der aufregendsten gemischten Gruppen der 1990er Jahre, die mit jedem Lied- und Besetzungswechsel geschickt Genres durchquerte. Ihre beliebteste Single „Affection“ bleibt aus gutem Grund ein Dauerhit. Aus der Feder von Yoon Il-sang, der den K-Pop der 90er Jahre mit Titeln für Turbo, Goofy, Cool und mehr prägte, brachte der Song das Leid und die Sensibilität des Trot in eine neue Ära. Es bietet paranoid klingende Raps inmitten stimmungsvoller Synthesizer-Melodien und gebrochene Geständnisse werden von sich wiederholenden Breakbeats begleitet. Nur wenige Singles aus dieser Zeit verbanden Generationen musikalischer Ideen so mühelos. –JMK

Die Geschichte der koreanischen Popmusik reicht bis in die Wende des 20. Jahrhunderts zurück, als koreanische Texte über aus Europa und Japan importierte Lieder gesungen wurden. Während diese Stücke zunächst moralisierende Lehren enthielten, berührten sie später Themen wie Natur, Liebe und Leere. Yun Sim-deoks „Hymn of Death“ ist nach wie vor das beliebteste und beständigste Lied dieser Ära, vor allem aufgrund der oft erzählten Geschichte über den Tod des Sängers durch Selbstmord zusammen mit seiner Geliebten Kim Woo-jin. Das Lied wurde in Japan aufgenommen und adaptiert eine Melodie aus „Wellen der Donau“ des rumänischen Komponisten Ion Ivanovici. In dem Lied stellt Yun die Sinnlosigkeit des Lebens in Frage und beklagt diese „Welt der Tränen“. „Hymn of Death“ ist eine frühe Zusammenfassung dessen, wie koreanische Musik im folgenden Jahrhundert aussehen würde: Es fängt die Qualen der Koreaner inmitten der Kolonialherrschaft und Besatzung ein und wie Künstler beharrlich darauf bestanden, eindeutig koreanische Lieder zu schaffen und sich gleichzeitig mit internationalen Klängen auseinanderzusetzen. –JMK

Als eine der frühesten Girlgroups Koreas eroberte das Duo Pearl Sisters die Nation im Sturm mit ihrem Debütalbum von 1968, das ihren berühmtesten Hit „One Cup of Coffee“ enthielt. Der experimentelle Titel wurde ursprünglich von der koreanischen Rocklegende Shin Joong-hyun geschrieben und aufgeführt (der auch ihr gesamtes Album produzierte), aber es ist ihre Version, die Koreaner bis heute sofort erkennen. Psychedelische Gitarrenriffs und gleichmäßige Trommelschläge sorgen für eine spannungsgeladene rhythmische Kulisse, während die Bae-Schwestern frustriert singen: „Ich habe eine Tasse Kaffee bestellt/Ich warte darauf, dass du kommst.“ Die mühelos eingängige Melodie führte dazu, dass sie als erste Mädchengruppe bei einer koreanischen Musikpreisverleihung höchste Auszeichnungen erhielten. —RK

In den Neunzigern war DJ Doc maßgeblich an der Entwicklung des koreanischen Hip-Hops beteiligt und kämpfte häufig gegen Sendeverbote, weil er soziale Ungerechtigkeit und Zensur in der Unterhaltungsindustrie anprangerte. Das bis heute aktive Trio prägte mit seinen funkigen Partyhymnen, insbesondere dem Boney M.-Sampling „Run to You“, den Sound der Y2K-Ära. Teils euphemistischer Liebesruf, teils schnelle Rap-Erwiderung: „Run to You“ ist zu einem zeitlosen Hit geworden, ikonisch für sein aufsehenerregendes „Bounce!“ Prallen! Bounce!“ Shout-Out-Bereich – das ist bei Noraebang-Karaoke ein Muss geworden. –TH

Als klassisch ausgebildeter Musiker, der seine eigenen Lieder schrieb und arrangierte, festigte Yoo Jae-ha sein Vermächtnis als „Vater der koreanischen Balladen“ mit seinem einzigen Studioalbum „Weil ich dich liebe“, das Monate vor seinem Tod im Alter von 25 Jahren veröffentlicht wurde. Obwohl es so war Der Titelsong der LP wurde zunächst von den Kritikern nicht begrüßt, weil seine Verwendung kontrapunktischer Melodien als zu unkonventionell für das Radio galt, und setzte einen neuen Maßstab für den Klang von Balladen. Mit betörend direktem Gesang liefert Yoo wehmütige, liebeskranke Texte, begleitet von luxuriösen Streichern, die seiner Aufrichtigkeit Glaubwürdigkeit verleihen. –JH.K.

Anfang bis Mitte der 1990er Jahre definierte Roo'Ra – zusammen mit seinen Kollegen Kim Gun Mo und Two Two – eine entscheidende Ära des Reggae-beeinflussten K-Pop. Während der krönende Erfolg der Gruppe „3!4!“ lautete. Obwohl Lee Sang-mins exzentrisches Rappen weniger offensichtlich dem Genre verpflichtet ist als andere Hits, kann es als Ergebnis jamaikanischen Trinkspruchs angesehen werden. An anderer Stelle des sommerlichen Partysongs singt die Gruppe davon, das Leben zu feiern, und der Hook mit dem beschworenen „la la las“ klingt, als würden sie Glück bekunden. Die Hymne stellt die ersten Schritte von K-Pop dar, mit globalen Pop-Sounds außerhalb der USA oder Europas zu experimentieren. –JMK

In den ersten beiden Jahren ihrer Karriere machten BTS rebellische, angstvolle Hip-Hop-Musik für Menschen, die sich von gesellschaftlichen Erwartungen erstickt fühlten. Doch indem das Septett mit seinem tadellos komponierten Hit „I Need U“ verletzlicher wurde, sicherte es sich seinen ersten Sieg bei einer südkoreanischen Musikshow. In dem Lied wechseln sie zwischen Hoffnung und Hoffnungslosigkeit, während Suga im Intro erklärt: „Wegen dir bin ich kaputt“, während seine Bandkollegen schnell folgen: „Ich brauche dich, Mädchen/Du bist so schön.“ Nachdem sich die Verse mit der Verzweiflung einseitiger Liebe aufbauen, explodiert das Lied in einem transzendenten Tanzchor. Seine sanften Synthesizer-Bläser überzeugen den Zuhörer fast schon auf grausame Weise davon, dass alles gut werden wird. Aber BTS weiß es besser. –JH.K.

„The Chaser“, der schönste Moment aus dem Septett Infinite, erinnert daran, dass die Liebe auf ihrem Höhepunkt fieberhaft und atemberaubend sein sollte. Das Produktionsteam Sweetune, das die vorherigen Singles von Infinite erstellt hat, feuert auf Hochtouren, indem es den Schwung des Freestyles mit dem maximalistischen Hi-NRG von Stock Aitken Waterman verbindet. Dröhnende Trance-Synthesizer vermischen sich mit Gitarren, die zwischen Disco und Power-Metal-Pastiche manövrieren. Das Septett verbindet diese Intensität mit leidenschaftlichem Gesang und jagt der Liebe nach, als wären sie Superhelden, die die Welt retten. –JMK

Mitwirkende: Michelle Hyun Kim, Regina Kim, Kristine Kwak, Maria Sherman, Maura Johnston, Joshua Minsoo Kim, James Gui, Tamar Herman, Jae-Ha Kim, Crystal Leww